Kursprogramm

Kurs W-0
NIE WIEDER IST JETZT!  Zwischen No-Go und Go ahead - Theater als Möglichkeit zu handeln

"Du. Dichter in deiner Stube. Wenn sie dir morgen befehlen, du sollst keine Liebeslieder, du sollst Hasslieder singen, dann gibt es nur eins: Sag NEIN!"
Wolfgang Borchert

Bisher Un-Sagbar Geglaubtes ist wieder Alltag in unserem Land, die Rechte auf dem Vormarsch. Antisemitismus, Rassismus, Vertreibungsszenarien, Tabubrüche finden breiter werdenden Zuspruch, regierungsfähige Mehrheiten bedrohen die Demokratie und damit auch die Künste. Gleichzeitig formiert sich über die ganze Republik "ein Aufstand der Anständigen".
Wie können wir gesellschaftspolitisch kontroverse Themen auf der Bühne verhandeln, ohne dabei zu reproduzieren? Was bin ich selbst bereit zu spielen, wo hört für mich das Spiel auf? Welche Erwartungen habe ich als Zuschauer:in an das Theater? Was möchte ich auf keiner Bühne (mehr) sehen? Was kann Theater zur Förderung des gesellschaftlichen Zusammenhaltes beitragen?

Durch gemeinsames Ausprobieren und im ständigen Abgleich miteinander entwickeln wir eine Positionierung - auf der Bühne und im Zuschauerraum. Der Workshop will zu Eigeninitiativen ermutigen, Möglichkeiten aufzeigen, mit eigenen Gruppen jeder Altersgruppe zu arbeiten, Straßentheaterauftritte zu organisieren ...

Der Workshop findet zu denselben Kurszeiten wie die andern Wochenendkurse der 39. Theatertage am See in der Bodensee-Schule statt und präsentiert seine Arbeit bei der Abschlussveranstaltung am Sonntag. TN-Beitrag: 30 €. Die Theatertage am See unterstützen die Teilnahme an diesem Kurs mit dem reduzierten TN Beitrag. Bitte mit dem Anmeldeformular anmelden und als Kursnummer W-0 angeben.

Nina de la Chevallerie Theaterpädagogin und Produzentin, lebt in Göttingen seit 2003, freiberuflich seit 2000 und Mitbegründerin des Freien Theaters boat people projekt (seit 2009). Seither führte sie Regie in zahlreichen Schauspielproduktionen für bpp und Freies Theater VIER.D, Performances im öffentlichen Raum. Sie konzipiert soziokulturelle Bürger:innenbühnen und arbeitet als Theaterpädagogin an weiterführenden Schulen flankierend bei Inszenierungen und gestaltend bei Projekttagen und Workshops. Aktuell beschäftigt sie die Konzeptionierung von Implementierung der Kulturarbeit in den Unterricht durch SCHULE: KULTUR Programm mit dem Hainberg Gymnasium Göttingen. Als Dozentin ist sie auch für unterschiedliche Institutionen in der Erwachsenenbildung tätig, u.a. führte sie im WS 2022/23 einen Lehrauftrag an der HBK Braunschweig für Darstellendes Spiel im Bereich transkulturelle Theaterarbeit.

Kurs W1
Zirkus für Kids
für Kinder und Jugendliche ab 6 Jahren
Möchtest du ein Teil der Manege sein, etwas Neues kennenlernen, eintauchen in eine ganz neue Welt? Ein Hobby der ganz besonderen Art entdecken? Aber Achtung: Wer einmal da war, will nie wieder weg! Macht mit und erlernt atemberaubende Kunststücke aus der Welt der Artisten, Jongleure, Fakire, Akrobaten und am Trapez. Macht mit und beeindruckt eure Eltern, Omas, Opas, Onkels und Tanten!

Der Kurs ist für Anfänger und Neueinsteiger gedacht.

Andrea Sprenger Theater- und Zirkuspädagogin, Leiterin der ZirkusAkademie FN, www.zirkusakademie.de

Kurs W2
Ich und mein anderes Ich - Theater- und Tanzworkshop
für Kinder und Jugendliche von 10 bis 13 Jahren
Tanzen zu cooler Musik, lip sync, Filter, die Stimme verstellen und lustige Videos mit Freunden aufnehmen …  Auf TikTok, Snapchat oder Insta, überall zeigen wir ein anderes Gesicht. Das macht Spaß und kann lustig sein. Es verbergen sich aber auch Gefahren, die wir gar nicht einschätzen können. Wie viel will ich von mir zeigen? Was sollen andere von mir wissen? Und was lieber nicht? In diesem Tanz- und Theaterworkshop springen wir durch die verschiedenen Welten. Wie bin ich zu Hause, in der Schule oder auf Social Media? Wir verwenden Filter und verstellen unsere Stimme, indem wir in verschiedene Rollen schlüpfen. Wir tanzen und verstecken unser Gesicht hinter einer Maske, sprechen lip sync und am Ende kommt dabei eine kleine Präsentation raus. In diesem Workshop machen wir uns auf die Suche nach unserem Ich und den anderen Ichs, die es sonst noch so von mir gibt.

Catharina Zukrigl ist leidenschaftliche Theater-, Tanz und Bewegungspädagogin. Mit Herzblut und Kreativität versteht sie es, die verschiedensten Elemente aus Tanz und Theater zu einer einzigartigen Komposition zusammenzusetzen.

Kurs W3
Performing Gender
generationenübergreifend ab 14 Jahren
Zwischen Sprache, Gesellschaft, Kunst, TikTok, Instagram und Mode wird die Genderdebatte geführt. Wie können wir diese Debatte im Theater führen? Denn Theater darf, kann und muss genau diese Fragen der Gesellschaft stellen. Wir gehen auf die Suche nach dem Potential dieser Auseinandersetzung für unsere eigene Theaterarbeit und unsere Sicht auf Theater und die Welt? Mit dieser Thematik bewegen wir uns zwischen gesellschaftlichen Themen der Akzeptanz und Vielfalt, stehen jetzt erst recht für uns selbst ein und sind wie wir sind und noch viel mehr. Der künstlerische und gleichzeitig soziale Raum des Theaters bietet ganz nach dem diesjährigen Motto – Theater darf das! – die Möglichkeit sich auszuprobieren, in unterschiedliche Rollen zu schlüpfen, in Begegnung zu treten, Vorurteile und Stereotype aufzubrechen und Fragen zu stellen. Über unseren eigenen Körper und Vorurteile, Bewegung, Improvisation und performative Settings, über Spiel und Übertreibung gelangen wir zu Choreographien, Performances Modenschauen, szenischem Spiel und vielem mehr.

Anne-Sophie Brunold Theater war schon immer Teil ihres Lebens. Sie studierte Grundschullehramt mit den Fächern Deutsch und Englisch, währenddessen kam sie auch wieder zurück zum Theater und begann im Theaterpädagogischen Feld zu arbeiten. Mit verschiedenen Schulprojekten, Regieassistenzen und freier Theaterarbeit sowie kollektiven Produktionen trat sie 2021 in den Freiberuf. Seit 2022 studiert sie zusätzlich den Masterstudiengang „Performative Künste in sozialen Feldern“. In ihrer freiberuflichen pädagogischen und künstlerischen Arbeit geht sie hauptsächlich Theater-, Tanz- und Performanceprojekten und aber auch Installationen nach. Sie liebt es mit anderen Menschen gemeinsam zu arbeiten, Workshops zu geben und künstlerisch mit nicht professionellen Gruppen zu arbeiten. Gleichzeitig steht sie auch selbst gerne als Performerin auf der Bühne.

Kurs W4
Das klingt nach einem Lied
Singen macht glücklich, keine Frage! Aber beim Singen improvisieren? Da halten sich viele Improspieler:innen auf der Bühne respektvoll zurück oder trauen sich erst gar nicht. Dieser Workshop möchte gerne die Hemmungen wegfegen und Dich einladen, Deine Lust am Singen im Rahmen des Improtheaters neu zu entdecken, zu stärken und selbstbewusst einzusetzen. Musik ist beim Improtheater eine wertvolle Bereicherung, ein zusätzlicher Spieler auf der Bühne. Erlebe die Möglichkeiten, die sich ergeben, wenn man eine bewusste Verbindung mit der Musik eingeht und sich gegenseitig inspirieren und abwechselnd führen lässt - nicht nur beim Singen, sondern auch beim szenischen Spiel. Wir wollen uns näher mit verschiedenen Impro-Musik-Formaten beschäftigen und dabei Lied-Stile und Genres beleuchten. Der Workshop hat das Ziel, jeder und jedem der Teilnehmer:in eine sichere und individuelle Probebühne zu bereiten, auf der man sich fallen lassen und nach Herzenslust experimentieren kann.

Michael Fiedler hat Filmmusik und Sounddesign an der Filmakademie Ludwigsburg studiert und ist seit 2003 als Komponist, Pianist und Musikproduzent tätig. Er liebt die Tonstudio-Arbeit genauso wie die Bühne. Live kann man ihn u.a. mit seinen zwei Solo-Projekten TRAUMZEIT und HERTZMACHT erleben. Seit 2007 ist "Micha" auch in der Improtheaterszene aktiv und dort für seine einfühlsame und flexible Spielweise bekannt.

Kurs W5
Veto-Prinzip- Theater nach Maike Plath
Im Format Veto-Prinzip-Theater nach Maike Plath liegt der Schwerpunkt auf ernst gemeinter Beteiligung. Hier wird am Modell des theatralen Mischpultes deutlich, wie gleichwürdige Führung konkret funktionieren kann. Die Entwicklung des Veto-Prinzips als Konzept demokratischer Führung basiert auf der Praxiserfahrung, dass Menschen nur dann miteinander kooperieren und demokratische Kernkompetenzen erwerben, wenn entsprechende Umfelder dafür geschaffen werden, in denen demokratisches Denken und Handeln Schritt für Schritt vermittelt, verstärkt und im praktischen Handeln verinnerlicht wird. Das Veto-Prinzip kann in künstlerischen Produktionen (z.B. im Theaterbereich) genauso angewendet werden wie in Schulen (z.B. im Projektunterricht zur Demokratiebildung) oder in Arbeits- und Unternehmenskontexten. Das VETO Prinzip baut auf die Fähigkeit seine eigenen Grenzen zu spüren, seine Bedürfnisse zu kennen und auch zu artikulieren. Wenn ich aus einem inneren Selbstwert handle und mein eigenes nicht in Gefahr kommt, weil jede:r für sich selber sorgen kann, dann darf vieles sein, dann kann vieles sein, weil ich den anderen zu achten lerne. Dann kann der künstlerische Prozess im Leben und im Theater vieles sein. Dann darf vieles werden!

Nicole-Giselle Huiskamp arbeitet seit 2011 als freie Theaterpädagogin. In Berlin arbeitet sie an verschiedenen Schulen u. a an der theaterbetonten Erika-Mann Schule und für den Verein ACT e.V. Sie hat die freie Theatergruppe ACTIVE PLAYER PRINZENSTRASSE (ACT e.V.) gegründet und über viele Jahre geleitet. Sie arbeitet nach dem VETO Prinzip. Dieses in der Praxis zu erforschen, weiter zu entwickeln und auch auf andere Bereiche ist ihr ein großes Anliegen. Außerhalb Berlins arbeitete sie in verschiedenen Unternehmen und entwickelt auch hier biografische Eigenproduktionen mit Auszubildenden und Student:innen aus dem kaufmännischen Bereich. Seit 2015 ist sie in der Erwachsenenbildung tätig und führt Weiterbildungen und Workshops an theaterpädagogischen Institutionen, Theatern, Landesinstituten und Universitäten durch.

Kurs W6
„Shout it out loud!“ - Chorisches Theater
Das chorische Prinzip im Theater eröffnet eine Fülle spannender und eindringlicher Darstellungsmöglichkeiten. Im Chor sind alle gleich wichtig und bringen ihre ganz persönlichen Fähigkeiten und Ansichten mit in die Gruppe ein. Chorisches Theater muss nicht anhaltenden Gleichklang bedeuten – auch wenn dieser stellenweise eine große Kraft entfalten kann. Im Gegenteil: Gerade die Gruppe kann dem aus ihr hervortretenden Individuum Kraft verleihen, sei es durch eine unterstützende oder kontrastierende Haltung. Und nicht zuletzt sind chorische Formen ein wunderbares Mittel, um sich alle möglichen Textformen für die Bühne zu erschließen, auch wenn diese nicht wie ein klassisches Drama in Dialogform verfasst sind. Im Workshop werden wir anhand praktischer Übungen das Chorische Theater kennenlernen. Wir erleben ensemblebildende Methoden, lernen auf die Impulse der anderen zu reagieren und eigene Impulse zu setzen. Wir erproben das Chorische Sprechen, die Figurenvervielfachung und die Entwicklung von Bewegungschören und wollen so Bilderwelten und Klangräume erschaffen, die sich mit dem Thema der Theatertage am See auseinandersetzen. Was darf man im Theater sagen, zeigen, darstellen? Was entfacht in uns Ärger und den Drang etwas zu verändern? Was muss unbedingt mal gesagt sein? Welche Wirkung und Kraft kann dabei das Chorische Theater erzielen, in seinen lauten und energetischen, aber auch in seinen leisen und intimen Momenten?

Isabelle Stolzenburg studierte Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis mit dem Schwerpunkt Theater und Musik in Hildesheim sowie Körpertheater nach Jacques Lecoq an der Hogeschool voor de Kunsten, Utrecht und der Ecole Internationale de Theatre in Brüssel. Sie arbeitet seit 2008 als freie Regisseurin, Theaterpädagogin und Schauspielerin. Sie ist u.a. als Dozentin für Theaterpädagogik an der Theaterwerkstatt Heidelberg tätig, gibt Workshops in Unternehmen, Schulen und anderen Bildungseinrichtungen und erarbeitet Inszenierungen mit Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen. Sie spielt und inszeniert mit verschiedenen professionellen Ensembles der freien Szene.

Kurs W7
Clowns - Die Grenzgänger und Antihelden
Provokativ oder mitfühlend? Was darf es denn heute sein? Komisch ist es nur im ad absurdum geführten Kontext. Es ist eine Technik in der Clownerie, Dinge und Situationen übertriebener aussehen zu lassen, als sie in Wirklichkeit ertragbar sind. Es kostet Mut und genügend Herzlichkeit, sich in einer Figur wiederzufinden, die Grenzen überschreiten muss, um jeglicher Konformität und Lethargie zu trotzen.

„Lass uns die Mauern der Belanglosigkeit niederreißen.

Clowns aus dem Off, Narren geboren im Müll der Welt.“

Ein Diskurs mit der Menschlichkeit und ihren Abgründen.

Andreas Weisser leitet die ravensburger clownschule. Er arbeitet seit vielen Jahren als Clown und Clownlehrer in Einrichtungen und Kliniken (Palliativ, Intensiv, Demenz, Kinder und Senioren, Menschen mit und ohne Behinderungen). Er sucht die Sprachlosigkeit des Menschen im Lachen und Weinen und der Begegnung. Das Echte sieht nicht immer schön aus, aber es geschieht aus Liebe.

Kurs W8
Acting is Reacting

„Wenn Reden Silber und Schweigen Gold ist, dann ist Zuhören Platin.“ (Andrzej Majewsk)

Anhand verschiedener Übungen und Improvisationen erkennen wir, wie unverzichtbar eine klare Kommunikation im Schauspiel ist. Je deutlicher wir senden, desto leichter fällt es unseren Mitspielenden zu empfangen und auf uns zu reagieren. Im Workshop Acting is Reacting arbeiten wir unter anderem mit der Schauspielmethode der Meisner-Technik und erfahren dabei, dass das aufmerksame Zuhören ebenso zu einer gelungenen Interaktion beiträgt, wie das Senden von Inhalten. Wir arbeiten Zug um Zug, spielen von Moment zu Moment, beobachten und nehmen auf. Alles, was wir sehen und hören, ist gegeben und schenkt uns Spielmöglichkeiten. Aufmerksames Zuhören und Beobachten - Theater darf das! Theater muss das! - um jegliche Art von Beliebigkeit zu vermeiden und unserem Spiel Tiefe und Authentizität zu verleihen.

Kathrin Müller-Grüß studierte an der Hochschule für Musik, Theater und Medien in Hannover. Es folgte eine Festanstellung im Schauspielensemble des Deutschen Theaters Göttingen. 2015 wechselte sie zum Jungen Theater Göttingen, wo sie den vermittelnden Bereich der Theaterarbeit für sich entdeckte. Mittlerweile spielt, lehrt und lernt Kathrin Müller-Grüß als selbstständige Theaterschaffende.

Kurs W10
Rhythmus
Rhythmus ist im musikalischen Sinne nichts weiter als die zeitliche Organisation von Klang. Wir erkunden die Grundlagen von Rhythmus mit Bodypercussion und erarbeiten kleine Choreografien mit verschiedenen "Instrumenten" wie Basketbällen, Eimern, Rohren, Besen oder Streichholzschachteln. Rhythmus will gefühlt, verstanden und motorisch erschaffen werden, dafür müssen Körper und Geist gleichermaßen trainiert werden. Mit einer intuitiven Notationsmethode lässt sich Rhythmus auch für Nichtmusiker verständlich darstellen und in verschiedene Welten einteilen. Das Ziel des Kurses besteht darin, ein Gefühl dafür zu bekommen, wie die Arbeit mit Rhythmus vielleicht jede Theaterproduktion bereichern könnte.

Dominik Schad ist Schlagzeuger und Rhythmus-Künstler. Seit vielen Jahren tritt er mit der Show STOMP auf der ganzen Welt auf. Dominik ist Lehrbuch-Autor und Workshop-Dozent, er unterrichtet unter anderem an der Universität der Künste in Berlin. Zu seinen weiteren künstlerischen Projekten gehören die Theaterproduktion "Dream Machine" und das zeitgenössische "Orchester im Treppenhaus".

Kurs W11
Bewegung inszenieren
Ob Schauspiel oder Bewegungstheater, ob Zirkus oder Maskenspiel, ob Puppen oder Objekte, ob klein oder groß - auf einer Bühne bewegt es sich anders als im sogenannten normalen Leben. Was heißt das nun für die Spieler:innen? Und was heißt das für die Regisseur:innen? Jegliche Art von Inszenierung mit Bewegung hat ähnliche Probleme, ähnliche Regeln - und: ähnliche Lösungen. Die grundlegenden Prinzipien sind stets dieselben. Wir entwickeln Mini-Choreografien mit unterschiedlichsten Vorgaben und kommen diesen Prinzipien auf die Schliche. Unser Hauptthema ist: Musik und Bühne.

Musik im Vordergrund zu einer Szene mit Aktion, Bewegung oder Choreo,
Musik als Übergang von einer Szene zur nächsten,
Musik als leiser Hintergrund zu gesprochenem Text.
Mehr auf www.mattis.ch und auf www.choreobuch.de

Christian Mattis Gabelstaplerballett? Oder ein Wasserspiel? Oder Kleintheaterspektakel mit Masken und Objekten? Oder Showteile für eine Motor-Show? Oder Großrauminszenierung für die Eröffnung der 14. Weltgymnaestrada im Lausanne mit Live-TV und 28'000 Zuschauern? – Christian Mattis kreiert Konzepte, gestaltet und inszeniert die unmöglichsten Orte und Anlässe und Menschen. Christian Mattis unterrichtet an Sporthochschulen, Tanzfestivals, Psychosomatischen Kliniken, Schulen für Sozialarbeit, Schauspielakademien, Rhythmikseminare, Theaterschulen etc., seine heutige Haupttätigkeit ist jedoch Regie / Choreografie.

Kurs W12
Theater darf kämpfen … und tanzen
Eine fesselnde Verbindung von Bewegung und Energie
Zeitgenössischer Tanz und Stockkampf geben Theater die Freiheit, sich auf der Bühne zu entfalten und einzigartige, ungewöhnliche künstlerische Ausdrucksformen zu präsentieren. Diese beiden Kunstformen bringen eine Vielzahl von Möglichkeiten und Elementen in die Theaterwelt ein. Der zeitgenössische Tanz erlaubt es den Tänzer:innen, mit ihren Körpern Geschichten zu erzählen und Emotionen auf eine ganz besondere Weise auszudrücken. Durch die Verwendung verschiedener Tanzstile und -techniken lernst du Bewegungen zu kreieren, die das Publikum faszinieren und in eine andere Welt entführen. Der zeitgenössische Tanz erlaubt es den Künstlern, Grenzen zu überschreiten und neue Wege der körperlichen Ausdrucksfähigkeit zu erforschen. Die philippinische Stockkampfkunst bringt eine kraftvolle und dynamische Ästhetik auf die Bühne. Durch den Einsatz von Stöcken oder anderen Waffen entwickeln wir beeindruckende Choreografien, die sowohl körperliche Stärke als auch Präzision demonstrieren. Der Stockkampf ermöglicht es dir, eine energiegeladene Atmosphäre zu schaffen und das Publikum mit fesselnden Kampfszenen zu begeistern. Insgesamt erlauben der zeitgenössische Tanz und die philippinische Stockkampfkunst dem Theater, seine künstlerischen Grenzen zu erweitern und neue Ausdrucksformen zu erforschen. Diese beiden Kunstformen bringen eine Vielfalt an Bewegungen, Emotionen und visuellen Elementen auf die Bühne und bereichern die Theaterwelt um ihre einzigartige Ästhetik.

Pia André, Tänzerin und Bewegungspädagogin, Trainerin für Kampfkunst, Contactimprovisation, zeitgenössischen Tanz, Coach für Alexandertechnik und The Work (Byron Katie), Choreografin und Autorin
Pia studiert und trainiert Kampfkunst (Aikido, Capoeira, Tai Chi, Ninjutsu, Escrima, Arnis, Kali) seit 1982. Parallel dazu entdeckte sie zeitgenössischem Tanz und Contactimprovisation und praktiziert diese seit 1984.Seit über 30 Jahren tanzt, lehrt und forscht sie freiberuflich in den unterschiedlichsten Zusammenhängen, u.a. Tanz- und Theaterausbildungen, Tanz- und Theaterfestivals, Kliniken, Lehreraus- und -fortbildungen, Kongressen und Trainings für Führungskräfte in ganz Deutschland und Europa. Sie wirkt mit in internationalen Tanzkompanien und kooperiert mit Musikern, Schauspielern und bildenden Künstlern. Seit 2023 ist sie ausgebildete Coach in The Work (Byron Katie). Aus der intensiven Beschäftigung mit den Prinzipien von Tanz, Kampfkunst und Körperarbeit entwickelte sie eine eigene Methode und Bewegungskunst, die den gesamten Menschen (Körper und Geist) einbezieht.